Clear Shadows

Catégorie : Serie : Inner Chemistry

  • Peanuts

    Une partie filmée:

    La grille de points

    Gaming x Manipulation x Circuit x Rewards x Social networks x Lemmings x Maze x Shepard music x Vibe coding

    Un espace blanc, sans bord, sans profondeur, où quelques lignes noires imparfaites dessinent un enchevêtrement de plateformes suspendues, comme un labyrinthe ouvert qui ne laisse pourtant presque aucune sortie. Rien n’est fermé, tout est accessible, et pourtant tout ramène ailleurs, toujours dans le même circuit, dans la même dérive contrôlée. Des silhouettes noires apparaissent, régulières, presque mécaniques, glissent d’une plateforme à l’autre, hésitent brièvement, se trompent, se corrigent, se percutent, se dispersent, puis se réalignent, comme si chaque trajectoire contenait déjà sa propre rectification. Le mouvement ne s’interrompt jamais, il se recompose en permanence, absorbant chaque incident comme une simple variation interne.

    La chute n’est pas un échec, elle est une production. Disparaître ne rompt rien, bien au contraire. Le système intègre la perte comme un carburant discret, une micro-optimisation silencieuse, une augmentation du score du jeu. Les corps s’accumulent parfois, s’engorgent sur une plateforme, attendent une élévation qui tarde, puis cèdent, débordent, tombent, et le flux reprend, intact, légèrement modifié mais jamais altéré. Une plateforme monte, sans câble, portée par une vis sans fin visible, pure mécanique sans finalité, image minimale d’un progrès circulaire.

    Au milieu de cette circulation, une figure rose subsiste, à peine distincte, presque noyée dans la masse, mais dont la disparition suffit à interrompre l’ensemble et marquer la fin du jeu. Le joueur agit, injecte des états, déclenche des anomalies locales, attire les corps, les ralentit, les alourdit, les excite, les suspend. Il peut provoquer des pleurs, de la colère, de l’immobilité, faire apparaître des charges, des objets, des ralentissements, créer des points d’attraction ou de friction. Mais chaque action, loin de rompre le cycle, l’épaissit, le densifie, le rend plus stable encore. Le pouvoir proposé est un pouvoir de modulation.

    Le score s’accumule sans plafond, s’étire vers l’infini comme une promesse qui ne s’achève pas. Il récompense la chute, la perturbation, l’émotion injectée, la désorganisation contrôlée. Plus le système est sollicité, plus il répond, plus il produit de points, plus il incite à continuer. Il n’y a plus de temps à battre, plus de fin à atteindre, seulement une progression abstraite, un chiffre qui monte, indépendamment de toute réussite réelle. Perdre est possible, mais assez rare sauf à le provoquer, presque accidentel, comme si le système préférait conserver le joueur à l’intérieur plutôt que de le sanctionner.

    Le rythme s’installe, répétitif, hypnotique, proche des architectures anciennes du jeu vidéo, mais vidé de leur logique de défi. Ici, on ne gagne pas, on prolonge. Une montée sonore continue comme une boucle de Shepard accompagne cette sensation, tension permanente qui ne se résout jamais, une ascension perceptive sans sommet, qui maintient le corps et l’attention dans un état intermédiaire, ni satisfaction, ni frustration totale.

    Vibecodé, produit rapidement, presque sans recul, le jeu conserve les traces de cette fabrication accélérée, lignes imparfaites, proportions instables, répétitions visibles. Cette économie de moyens n’est pas un manque, elle devient un langage, celui d’un secteur saturé, qui produit des boucles plus vite qu’il ne produit du sens. Le labyrinthe n’est pas un décor, c’est une structure mentale, une machine à capter, à retenir, à faire circuler. Chaque action du joueur confirme son appartenance au système, chaque tentative de contrôle renforce l’architecture qui l’englobe. On ne cherche plus à sortir, on apprend à rester, à optimiser sa présence, à accompagner le flux, dans un espace où tout semble ouvert, mais où rien ne s’échappe.

  • Miracle Morning

    Dopamine shot x Addictive Molecules

    Un flacon se dessine. Ses parois sont tissées d’hexagones chimiques, de liaisons, d’atomes reliés: architecture de laboratoire au service du quotidien. Ce n’est pas une bouteille de lait, ni de jus d’orange, mais l’élixir invisible de nos matins modernes: la dopamine. Le «shot» qui nous propulse hors du sommeil, qui fait de l’écran le premier geste, qui transforme la notification en nectar. L’œuvre expose la potion chimique derrière nos rituels banals. Le Morning Miracle n’est pas le café ni le soleil, mais plutôt l’activation programmée d’un circuit neuronal. La molécule a remplacé la prière, l’algorithme remplace l’ivresse. Radiographie de nos dépendances subtiles, un flacon sans contenu, déjà plein de promesses chimiques.

  • Homo Cubile

    Dopamine shots x Laziness Economy x Couch

    Dans Homo Cubile, un corps assis sur un canapé devient le centre silencieux d’un dispositif beaucoup plus vaste. Le geste est simple, presque banal, le pouce qui scrolle, l’œil qui attend, l’écran qui promet la prochaine stimulation. Les likes apparaissent, les notifications surgissent, les contenus se succèdent. Chaque interaction agit comme une micro-récompense chimique, une brève décharge de dopamine qui relance l’attention et incite à recommencer. Très vite s’installe un ascenseur émotionnel parfaitement réglé. L’excitation d’un contenu, la validation d’un like, puis la frustration, parfois la colère, souvent une forme de fatigue diffuse. L’utilisateur oscille entre ces états, pris dans une mécanique où l’émotion devient le véritable carburant du système. Le corps, lui, reste immobile. L’agitation se déplace à l’intérieur. Cette fatigue émotionnelle n’est pas un dysfonctionnement, elle participe au contraire à la logique même de l’économie de l’attention. Plus l’utilisateur est stimulé, plus il reste. Plus il reste, plus son attention devient exploitable. Le canapé cesse alors d’être un simple meuble domestique pour devenir une infrastructure économique. Depuis ce point fixe, l’utilisateur peut regarder, binge-watcher, commenter, réagir, acheter, se faire livrer. Tout converge vers cette immobilité organisée. Le monde ne se parcourt plus, il se consomme depuis un point unique. Dans cette transformation lente apparaît une nouvelle figure humaine. Ni totalement active, ni totalement passive, mais installée durablement dans une position de réception permanente. Homo Cubile incarne cette mutation. Un individu allongé au cœur d’une machine invisible qui capte son attention, stimule sa chimie intérieure et transforme chaque émotion en valeur économique.

    Prolonger l’analyse avec L’essai : Nous, les Automates : la fabrique de l’homo cubile (2026, 324 p.)

  • Sins

    Deadly Sins x Flashy Pink x Couch x Invisible man x Tech Nech

    Sur des fonds saturés, presque agressifs, un homme se tient seul. Il ne regarde personne. Il se replie, se cambre, s’affaisse. Son cou se casse vers l’avant, déformé par l’écran invisible qu’il consulte sans cesse. Le corps devient symptôme. Le tech neck remplace la colonne vertébrale morale. Les péchés capitaux ne sont plus théologiques. Ils sont optimisés. L’orgueil devient mise en scène permanente de soi. L’envie devient comparaison algorithmique. La colère se déploie en commentaires. La luxure se consomme en flux infini. La gourmandise est une boulimie de notifications. L’avarice se mesure en données accumulées. La paresse prend la forme d’un canapé creusé, d’un coussin enfoncé, d’une empreinte laissée par un corps trop longtemps immobile. Dans certaines images, l’homme est encore là. Dans d’autres, il se réduit. Silhouette minuscule dans un espace trop vaste. Puis il disparaît presque entièrement. Il ne reste qu’une ombre. Une trace noire sur un fond uniforme. Cette ombre n’est pas une absence accidentelle. Elle est le résultat d’un choix collectif. L’homme a voulu l’automatisation, la fluidité, la délégation permanente. Il a confié ses désirs aux plateformes, ses décisions aux algorithmes, ses relations aux interfaces. Chaque service promettait un confort. Chaque automatisation supprimait un effort. Chaque optimisation renforçait un penchant. Les péchés ne sont plus combattus. Ils sont industrialisés. Sins montre un corps qui se retire du monde réel au profit d’un monde calculé. Le canapé devient territoire. Le coussin, preuve matérielle d’une présence excessive et d’une absence simultanée. Être là physiquement, ne plus être là symboliquement. L’homme s’efface à mesure qu’il externalise sa volonté. Il disparaît à force de vouloir tout simplifier. Il s’ombre lui-même. La série ne représente pas une fin brutale. Elle montre une évaporation lente. Un effacement progressif orchestré par celui qui en est la première cause. Dans ce théâtre monochrome, la figure humaine n’est plus héroïque. Elle est variable d’ajustement. Elle s’effondre sous le poids de ses propres désirs amplifiés. Sins n’accuse pas une machine autonome. Elle pointe une responsabilité diffuse. L’homme ne disparaît pas parce qu’il est dominé. Il disparaît parce qu’il consent.

  • Serie : inner chemistry

  • Cell party

    Microplastic x cells x party

    Cette image montre une cellule observée au microscope, un monde circulaire, vibrant, où chaque bulle colorée semble incarner une forme de joie primitive, une énergie douce, une promesse de vie, les ballons d’une fête. Les teintes éclatantes diffusent en dégradés fluides, comme si la matière elle-même respirait, comme si chaque sphère contenait un fragment d’élan vital. L’ensemble paraît léger, presque enfantin, et pourtant deux masses noires troublent cette harmonie. Elles ne vibrent pas, ne rayonnent pas, elles absorbent. Ces formes opaques sont des fragments de microplastiques, intrus silencieux ayant réussi à pénétrer l’espace cellulaire, à s’infiltrer au cœur même du vivant. Leur présence rompt l’équilibre chromatique, introduit une gravité étrangère, une densité sans vie au milieu de la transparence organique. De plus en plus d’études établissent des liens entre notre ingestion quotidienne de microplastiques et l’émergence de troubles, d’inflammations, de pathologies diffuses encore mal comprises. Ici, la cellule devient territoire contaminé, la couleur se confronte à l’ombre, et la joie microscopique se voit traversée par une matière issue de notre propre production. Cette image oppose la fragilité du vivant à la persistance artificielle du plastique, elle montre comment l’invisible industriel s’invite dans l’intime biologique, comment l’éclat de la vie cohabite désormais avec une présence qui ne se dégrade pas et qui s’accumule.

    Aquarelle 20 x 30

  • Red Light

    Cette image montre des neurones dopaminergiques, irradiés d’un rouge sang, comme si la pensée elle-même était traversée par une inflammation lumineuse. On hésite entre des filaments d’ampoule surchauffés, des feux d’artifice mal maîtrisés, des éclairs figés dans la nuit ou des ramifications nerveuses prêtes à s’embraser. Les corps cellulaires brillent comme des noyaux incandescents, leurs prolongements s’étendent, se cherchent, se relient, tissant une cartographie fragile du désir et de l’impulsion. La dopamine circule ici comme une promesse, une récompense immédiate, un signal court et intense qui allume le cerveau avant de le laisser dans une pénombre plus lourde. La science établit désormais des liens précis entre ces décharges et les stimulations numériques répétées, la gratification instantanée, le défilement infini, la notification qui pulse comme une micro étincelle. À force d’excitation brève, le système s’emballe, puis s’épuise, et la motivation profonde se fragilise, comme si le feu intérieur ne savait plus brûler sans déclencheur externe. Cette image ne montre pas seulement des neurones, elle expose une économie du court terme inscrite dans la chair, une biologie du clic, où la lumière rouge oscille entre énergie vitale et colère électrique.

  • Respire

    Breathing x Sinus x Radiography x Obstruction

    Cette œuvre est une radiographie de mes propres sinus.
    Une image clinique, presque banale, mais ici déplacée vers le champ de l’intime.

    On y voit la congestion, la cloison nasale déviée, le passage de l’air entravé.
    Là où la respiration devrait être fluide, un obstacle.
    Là où le vide devrait circuler, une masse.

    La science permet de révéler l’invisible.
    Elle pénètre l’os, traverse les chairs, éclaire les cavités.
    Elle montre ce que le corps tait.
    Mais voir n’est pas guérir.

    L’œuvre oscille entre précision médicale et introspection.
    La radiographie devient autoportrait.
    Non pas celui du visage, mais celui d’un flux interrompu.

    Respirer est un acte automatique, mécanique, inconscient.
    Quand il se dérègle, tout devient conscient.
    Chaque inspiration devient effort.
    Chaque nuit devient attente d’air.

    Faut-il opérer ?
    Corriger la matière pour restaurer le passage ?
    Redresser la cloison comme on redresse une ligne de code défaillante ?

    La question dépasse le geste chirurgical.
    Que fait l’âme quand le corps ne respire plus librement ?
    Se contracte-t-elle ?
    Cherche-t-elle un autre passage ?
    Se met-elle en apnée, elle aussi ?

    Il ne s’agit pas seulement d’un diagnostic.
    C’est une mise à nu.
    Une tentative de comprendre ce qui, en nous, entrave la circulation.

    Encres sur papier – 20 x 30

  • Dop

    Dopamine neurons x Thunder

    Encre noire, papier blanc, aucune enveloppe humaine. Seulement des ramifications nerveuses qui s’étirent comme des éclairs figés, des axones qui avancent malgré eux, portés par un cycle dopaminergique devenu mécanique. Le dessin suggère des neurones mais ne cherche jamais à les représenter fidèlement. Ils fonctionnent ici comme des silhouettes biologiques vidées de leur intimité, des circuits élémentaires, réduits à leurs impulsions.

    La dopamine n’a plus rien du messager de la récompense, elle devient ce flux imposé qui sourd en continu dans nos vies digitales. Sur le papier, les traits se propagent par capillarité comme le ferait une impulsion qui ne sait plus quand s’interrompre. Chaque branchement semble hésiter entre la croissance organique et la fracture, entre l’arborescence du vivant et la ligne cassée du réseau technique. L’encre avance en spasmes irréguliers, comme si le système nerveux lui-même avait été soumis aux logiques d’un algorithme trop simple et trop persistant.

    La lumière blanche du support laisse croire à une zone de liberté, puis disparaît en silence derrière les lignes qui se multiplient. Le dessin devient une cartographie minimale d’une chimie manipulée, un cycle biologique repris en main par des usages numériques répétés jusqu’à l’automatisme. Dans ces fissures d’encre, il n’y a plus de sujet, seulement des signaux. Plus de plaisir, seulement une boucle.

    Ink on paper 20×30

  • Full Moon Party

    Moon dark side x Attraction x Craters x Holes x Circles x Smoke

    Voir en video https://photos.app.goo.gl/zAtgV6EfLqXgs5EF7

    Elle ne produit rien, elle renvoie. Elle éblouit. Elle attire. Comme l’écran que l’on fixe sans y penser. La lumière passe à travers les perforations du papier, agit comme un révélateur. Le dessin n’est pas déposé dessus, mais creusé dedans, vidé, révélé par ce qui disparaît. L’astre existe par des manques. On n’en voit qu’une face, l’autre reste dissimulée. Comme dans la réalité, la face cachée n’est dévoilée qu’avec de la technologie, tardivement, grâce aux instruments et à la science.

    L’astre agit sur les corps. À distance, il déplace les marées, règle des cycles, dérange les nuits, nourrit des légendes, métamorphose. Il est une force discrète mais constante, dont l’influence traverse l’espace.

    Le geste est répété, percée après percée, jusqu’à l’automatisme. La respiration est mécanique. Les impacts s’accumulent, s’organisent, se troublent. Ils forment des cratères, nets ou diffus. De loin, la surface semble lisse. De près, elle devient un relevé de chocs, une cartographie de cicatrices. Une peau marquée. La surface est paysage, épiderme marqué, matière sensible, traces, empreintes, ombres.

    Chaque trou est un minuscule déplacement, une pression, un impact muet.

    Présence lointaine qui modèle en silence. Attraction permanente, réfléchie, passive. Lumière que l’on regarde trop longtemps sans s’en rendre compte. 

    La Full Moon Party est ici vidée de son folklore. La fête n’est plus un moment d’excès collectif, mais une surface surexposée, blanchie par la lumière, saturée jusqu’à l’épuisement. Ce qui reste après la nuit, ce ne sont pas les corps, ni la musique, mais des traces, des impacts, des manques. La célébration s’est dissoute dans sa propre intensité. La fête est finie, il ne subsiste qu’un sol criblé, une lune cratérisée, témoin muet d’une attraction consommée jusqu’à l’usure. L’œuvre montre l’après, quand l’éblouissement retombe et que l’on découvre, dans le silence, les marques laissées par une fascination prolongée.

    50*70 – gravure – Led

  • Traffic Jam

    Flows x process x Life chemistry

    Inspirée de la célèbre carte métabolique de Boehringer, Traffic Jam transpose la complexité biochimique du corps humain dans une logique de congestion systémique. Ce qui, à l’origine, illustre la perfection des cycles vitaux devient ici une cartographie d’automatismes : un réseau saturé, une circulation continue où chaque molécule obéit à un trajet imposé.

    Les flèches, dépouillées de leurs noms et de leurs légendes, ne signalent plus la vie mais la répétition aveugle du mouvement. Tout y circule, rien ne s’y incarne. La biologie se confond avec la logique algorithmique, le métabolisme devient protocole, l’humain s’efface derrière le processus.

    En jouant sur la métaphore de l’embouteillage métabolique, l’œuvre questionne la réduction de la vie à une somme de flux automatisés, le corps à un réseau de production sans conscience, et le monde vivant à une mécanique d’optimisation.
    Sous l’apparente neutralité scientifique, Traffic Jam évoque l’épuisement du vivant pris dans les circuits fermés de ses propres algorithmes.

  • Full Moon Party

    Moon hidden face x pixel art x craters x cells x map x coding x Full moon Party

    Face cachée, dessin d’ombre et de poussière.
    Un astre muet, disséqué en milliers de points, s’étire sur le papier comme une carte du silence.
    Aucune lumière, seulement la mémoire de ce qui frappe et s’efface.

    La Lune ne crée rien.
    Elle ne fait que renvoyer la lumière des autres.
    Un astre mort devenu influenceuse du vivant.

    Toujours visible, jamais entière :
    la moitié de son visage nous échappe.
    Cette face cachée — muette, opaque —
    rappelle tout ce qu’on ne veut pas voir dans nos propres reflets numériques.

    Comme elle, nos écrans brillent sans source,
    éclairent sans comprendre,
    attirent sans nourrir.
    Pixel après pixel, nous orbitons autour d’images mortes,
    convaincus qu’elles nous éclairent.

    Drawing on paper

  • The new phone

    Mobile phone x skin x senses

    Digital image 40×30

    Un hybride troublant : la chair devient interface, le smartphone se fond dans la peau humaine, et des organes sensoriels apparaissent, déformés, répartis sur sa surface. Une oreille, deux yeux, une bouche — déplacés, figés, à l’écoute. L’objet n’est plus un outil, c’est une entité. Ou peut-être sommes-nous devenus son extension.

    L’œuvre interroge la nature des dispositifs numériques comme prothèses de la perception et de l’identité. Le téléphone ne fait plus que connecter : il voit, écoute, parle, mémorise. En retour, nous lui donnons notre attention, notre voix, notre visage, nos gestes.

    Ce n’est pas un téléphone. C’est le reflet d’un sujet connecté, ayant externalisé ses sens et intériorisé la machine.

    —

    A disconcerting hybrid: flesh becomes interface, the smartphone merges with human skin, and sensory organs emerge distorted across its surface. An ear, two eyes, a mouth—displaced, unblinking, listening. This object is no longer a tool but a being. Or perhaps we have become its extension.

    The piece questions the nature of modern devices as prostheses of perception and identity. It embodies how smartphones do not only connect us—they hear, watch, speak, and even remember for us. In return, we feed them attention, touch, voice, and face.

    This is not a phone. This is the mirror of a connected subject who has externalized their senses and internalized the machine.

  • Twins

    Meiose  x smiley x globes x ghost x cry

    Ink on paper 20 x 30 cm

    Deux formes globulaires flottent dans un espace blanc — floues, cellulaires, comme observées au microscope. À première vue, elles semblent identiques. Mais en y regardant de plus près : l’une porte la trace à peine visible d’un visage souriant, l’autre est disloquée, spectrale, marquée de traits verticaux — un code-barres de chagrin.

    Twins évoque la méiose, ce processus biologique de division cellulaire — mais ici, ce ne sont pas les chromosomes qui se divisent. C’est l’identité numérique. Deux “entités” émergent : l’une, agréable, commercialisable, exploitable — un smiley. L’autre, cryptée, émotionnelle, brisée — illisible, invendable. La métaphore du jumeau numérique est pervertie : nous sommes clonés, oui, mais de manière asymétrique — un soi pour les plateformes, l’autre pour l’oubli.

    Le jumeau de gauche simule la joie.
    Celui de droite en paie le prix.

    Tous deux hantent le système qui les a produits.
    Et ensemble, ils murmurent : nous ne sommes pas entiers.

    —

    Two globular forms hover in white space—fuzzy, cellular, as if viewed under a microscope. At first glance, they appear identical. But look closer: one wears the faint trace of a smiley face, the other is disfigured, ghostlike, marked by vertical strokes—a barcode of sorrow.

    Twins evokes meiosis, the biological process of cellular division—but in this case, it’s not chromosomes that split. It’s digital identity. Two “entities” emerge: one palatable, marketable, usable—a smiley. The other, encrypted, emotional, broken—unreadable, unsellable. The digital twin metaphor is corrupted: we are cloned, yes, but asymmetrically—one self for platforms, the other for oblivion.

    The left twin performs joy.
    The right one bears the cost.

    Both haunt the system that created them.
    Together, they whisper: we are not whole.

    Ink on paper 40×30

  • Persephone

    Half Greek statue from Persephone x No Brain x Jewels x Closed eyes

    Drawing on paper 40 x 30 cm

    Cette apparition pâle de Perséphone n’émerge pas du marbre, mais de l’absence. Rendue visible par une constellation fantomatique de points, la figure flotte à mi-chemin entre la forme et le vide — inachevée, effacée, ou simplement en train de disparaître.

    L’allusion mythologique est explicite : Perséphone, déesse des deux mondes — lumière et souterrain, surface et ombre — est ici suspendue. Mais sa couronne a disparu, remplacée par le néant, son regard est clos, sa tête vide — une critique directe des icônes modernes, vidées de pensée, de conscience, de résistance.

    Les bijoux, encore visibles, brillent avec ironie — symboles de valeur sans identité, de beauté sans voix. Son cerveau manquant n’est pas une absence, mais une extraction — peut-être délibérée. Peut-être une stratégie de survie.

    Perséphone devient ainsi une allégorie du corps passif à l’ère de l’automatisation :
    Élégant, inerte, orné, aveugle.

    —

    This faint apparition of Persephone emerges not from marble, but from absence. Rendered through a ghostly constellation of dots, the figure floats halfway between form and void—unfinished, erased, or simply fading.

    The mythological allusion is clear: Persephone, goddess of dual worlds—light and underworld, surface and shadow—is caught in suspension. But here, her crown is replaced by nothingness, her gaze closed, her head empty—a critique of modern icons stripped of thought, awareness, or resistance.

    The jewels, still visible, mockingly gleam—symbols of value without identity, of beauty without voice. Her missing brain is not a lack, but a removal—perhaps deliberate. Perhaps a survival tactic.

    Persephone becomes a commentary on the passive body in the age of automation:
    Elegant, inert, adorned, blind.

  • The Clock

    Clock x life cycle x mobile phone

    The clock s’inscrit dans une logique de capture du quotidien par l’écran, une mécanique silencieuse où chaque moment de la journée se trouve absorbé, cadré, puis redistribué par le mobile. Le matin commence dans la lumière froide du téléphone, premier geste, premier regard, avant même le réel. L’individu s’y projette immédiatement, planifie, consulte, répond, s’inscrit déjà dans un flux qui ne lui appartient plus entièrement. À midi, le geste se prolonge, commander, choisir, valider, tout passe par l’interface, réduisant l’expérience à une succession d’actions optimisées. Dans les transports, le corps est présent mais l’attention ailleurs, captée, fragmentée, aspirée par l’écran. Le regard se baisse, les postures se ferment, les gestes deviennent répétitifs, presque automatiques. La journée s’écoule ainsi, découpée, rythmée, administrée par des signaux invisibles, notifications, rappels, sollicitations permanentes. Le temps ne se vit plus, il se consulte. Chaque instant est indexé, anticipé, parfois même remplacé par son équivalent numérique. Il reste peu de place pour l’imprévu, pour l’errance, pour ce qui échappe au cadre. The clock matérialise cette tension, une vie chronométrée, contenue dans une structure rigide où chaque segment semble assigné à une fonction. L’espace vide devient alors aussi important que les lignes, révélant ce qui disparaît, le hors-champ, le non-mesurable. Ce qui n’est pas prévu n’existe presque plus, ou seulement à travers l’écran qui le valide. L’individu se retrouve ainsi dans une boucle continue, entre contrôle et dépendance, où le temps n’est plus un flux mais une grille.

    A minimalist circle, dissected and cadenced like a clock, where each hour is no longer a number but a movement of the body. The figure, barely outlined, fragments into angular postures that repeat a modern ritual: waking, commuting, working, scrolling. The smartphone, omnipresent, becomes the silent axis around which the day turns. The drawing does not show the passage of time—it embodies its mechanical absurdity. The precision of the lines contrasts with the alienation they depict: an existence reduced to routine, tracked and controlled by invisible metrics. The gesture is both universal and intimate—a choreography of constraint.

  • Data Beats Emotion

    Audio recording Z. at American Congress x Start-up Mantra
    This work unfolds in two registers. First, as a visual transcription: the tear-shaped forms are not human sorrow, but the soundwave of Z. public apology before the U.S. Congress. No visible emotion. No rupture. Just the smooth, calculated rhythm of a voice designed not to tremble.

    Second, as a title—Data Beats Emotion—the phrase echoes a dominant mantra in the startup world. In tech culture, feelings are noise. Growth requires data: measurable, scalable, testable. Emotion is seen as inefficiency—something to simulate perhaps, but never to follow.

    By overlapping these layers, the piece reveals a tension: between affect and performance, between sincerity and computation. The tear is not real—it is rendered.
    And the apology, like the system it represents, is more a metric than a moment.

  • Addictions

    Mobile x Addiction molecules

    Iron – Wood – Pine balls | 70 x 40 x 40 cm

    Cette sculpture cinétique flotte avec délicatesse dans l’espace, mais son élégance dissimule une vérité brutale : chaque forme géométrique reproduit la structure moléculaire exacte de substances addictives — alcool, cocaïne, nicotine, opioïdes. Suspendue comme un mobile d’enfant, l’œuvre détourne son innocence en incarnant les mécanismes biochimiques de la dépendance.

    L’équilibre est trompeur : un simple mouvement dérègle l’ensemble, rappelant la fragilité du contrôle neurochimique. La lumière projette des ombres emmêlées, prolongeant l’emprise chimique au-delà de l’objet lui-même.

    L’œuvre met en scène l’addiction comme un système, une chorégraphie — silencieuse, belle, et profondément destructrice.

    Une innocence perdue

    —

    This kinetic sculpture floats delicately in space, yet its elegance masks a brutal truth: each geometric shape reproduces the exact molecular structure of addictive substances—alcohol, cocaine, nicotine, opioids. Suspended like a child’s mobile, the piece subverts its innocence by embodying the biochemical mechanisms of dependency. The balance is deceptive: a single movement disrupts the whole, echoing the fragile equilibrium of neurochemical control. Light casts tangled shadows, extending the chemical grip beyond the object itself. The work stages addiction as both system and choreography—silent, beautiful, and deeply destructive.

  • Handroid

    Glass hand x Printed circuit x Empty smartphone

    A transparent hand, filled with printed circuitry, holds an immaculate smartphone—yet the screen is blank. No app. No notification. No signal.

    This synthetic body-part, part-prosthesis, part-avatar, is not simply a hand: it’s an interface. Designed for the gesture of grasping the device, its entire architecture serves the object it holds. But what happens when the object is hollowed out?

    By exposing the internal wiring and rendering the phone as a void, Handroid questions who holds what—or whom. Is the hand using the phone, or is the phone defining the hand? The piece echoes our current state of symbiosis: where the body becomes optimized for digital consumption, and the tool becomes the master.

    The future is already here, and it’s holding on tight.

  • Dopa Screen

    Dopamine synthesis x screen shadows x kids hands x universe x La nuit étoilée

    Photo 30 x 40 cm

    Des dizaines de petites perforations irrégulières illuminent une surface brun poussiéreux, comme une carte céleste. Pourtant, il ne s’agit pas d’une vision du cosmos, mais d’un plan biochimique : le motif reproduit avec exactitude la synthèse moléculaire de la dopamine, ce neurotransmetteur qui régule nos récompenses, nos pulsions, nos dépendances.

    Le carton est tenu par la main d’un enfant — à peine visible, mais essentielle. C’est ce geste qui transforme cette carte de signaux neuronaux en ciel étoilé. Une tension fragile émerge : entre l’innocence du jeu et l’omniprésence du conditionnement comportemental.

    La surface est déchirée, imparfaite. La lumière est artificielle. Mais l’évocation est immense. Il ne s’agit pas simplement d’une molécule représentée. C’est un écran — au sens propre comme au figuré — à travers lequel toute une génération voit, ressent, réagit, clique. Une réflexion poétique mais incisive sur la manière dont les environnements numériques détournent, dès l’enfance, nos circuits neurochimiques les plus primitifs.

    —

    Dozens of small, irregular punctures light up a dusty brown surface like a constellation map. Yet this isn’t a view of the cosmos—it’s a biochemical blueprint. The pattern mimics the exact molecular synthesis pathway of dopamine, the neurotransmitter that governs our rewards, urges, and dependencies.

    The cardboard is held by a child’s hand—barely visible, but crucial. Their gesture is what transforms this map of neuronal signals into a starry sky. A fragile tension appears: between the innocence of play and the omnipresence of behavioural conditioning.

    The surface is torn, imperfect. The light is artificial. But the evocation is vast. This is not just a representation of a molecule. It is a screen—literal and metaphorical—through which an entire generation sees and feels, reacts and clicks. A poetic yet critical reflection on how digital environments hijack primal neurochemical circuits, from childhood on.