La victoire ne guide rien, ne célèbre rien : elle a perdu sa tête, perdu son cerveau, perdu ce qui fait direction. Elle ne tient plus. Elle s’enfonce lentement. Elle semble prier malgré elle, penchée, affaissée, retenue au moment de tomber. Le souffle ne soulève plus mais pousse. Les ailes sont rognées, ont perdu toute idée de liberté. Elle est au point de chute.
Chaque point est posé mécaniquement, d’un geste toujours le même, sans élan, sans choix. De micro-impacts qui construisent par ce qu’ils détruisent.
De loin : la draperie, l’inclinaison, la dynamique figée. De près : trous, manques, zones qui s’effacent sous leur propre trame, fragments.
Le triomphe n’existe plus. Défaite silencieuse, corps sans élan, signal faible en voie d’extinction.
Moon dark side x Attraction x Craters x Holes x Circles x Smoke
Elle ne produit rien, elle renvoie. Elle éblouit. Elle attire. Comme l’écran que l’on fixe sans y penser. La lumière passe à travers les perforations du papier, agit comme un révélateur. Le dessin n’est pas déposé dessus, mais creusé dedans, vidé, révélé par ce qui disparaît. L’astre existe par des manques. On n’en voit qu’une face, l’autre reste dissimulée. Comme dans la réalité, la face cachée n’est dévoilée qu’avec de la technologie, tardivement, grâce aux instruments et à la science.
L’astre agit sur les corps. À distance, il déplace les marées, règle des cycles, dérange les nuits, nourrit des légendes, métamorphose. Il est une force discrète mais constante, dont l’influence traverse l’espace.
Le geste est répété, percée après percée, jusqu’à l’automatisme. La respiration est mécanique. Les impacts s’accumulent, s’organisent, se troublent. Ils forment des cratères, nets ou diffus. De loin, la surface semble lisse. De près, elle devient un relevé de chocs, une cartographie de cicatrices. Une peau marquée. La surface est paysage, épiderme marqué, matière sensible, traces, empreintes, ombres.
Chaque trou est un minuscule déplacement, une pression, un impact muet.
Présence lointaine qui modèle en silence. Attraction permanente, réfléchie, passive. Lumière que l’on regarde trop longtemps sans s’en rendre compte.
La Full Moon Party est ici vidée de son folklore. La fête n’est plus un moment d’excès collectif, mais une surface surexposée, blanchie par la lumière, saturée jusqu’à l’épuisement. Ce qui reste après la nuit, ce ne sont pas les corps, ni la musique, mais des traces, des impacts, des manques. La célébration s’est dissoute dans sa propre intensité. La fête est finie, il ne subsiste qu’un sol criblé, une lune cratérisée, témoin muet d’une attraction consommée jusqu’à l’usure. L’œuvre montre l’après, quand l’éblouissement retombe et que l’on découvre, dans le silence, les marques laissées par une fascination prolongée.
Inspirée de la célèbre carte métabolique de Boehringer, Traffic Jam transpose la complexité biochimique du corps humain dans une logique de congestion systémique. Ce qui, à l’origine, illustre la perfection des cycles vitaux devient ici une cartographie d’automatismes : un réseau saturé, une circulation continue où chaque molécule obéit à un trajet imposé.
Les flèches, dépouillées de leurs noms et de leurs légendes, ne signalent plus la vie mais la répétition aveugle du mouvement. Tout y circule, rien ne s’y incarne. La biologie se confond avec la logique algorithmique, le métabolisme devient protocole, l’humain s’efface derrière le processus.
En jouant sur la métaphore de l’embouteillage métabolique, l’œuvre questionne la réduction de la vie à une somme de flux automatisés, le corps à un réseau de production sans conscience, et le monde vivant à une mécanique d’optimisation. Sous l’apparente neutralité scientifique, Traffic Jam évoque l’épuisement du vivant pris dans les circuits fermés de ses propres algorithmes.
Moon hidden face x pixel art x craters x cells x map x coding x Full moon Party
Face cachée, dessin d’ombre et de poussière. Un astre muet, disséqué en milliers de points, s’étire sur le papier comme une carte du silence. Aucune lumière, seulement la mémoire de ce qui frappe et s’efface.
La Lune ne crée rien. Elle ne fait que renvoyer la lumière des autres. Un astre mort devenu influenceuse du vivant.
Toujours visible, jamais entière : la moitié de son visage nous échappe. Cette face cachée — muette, opaque — rappelle tout ce qu’on ne veut pas voir dans nos propres reflets numériques.
Comme elle, nos écrans brillent sans source, éclairent sans comprendre, attirent sans nourrir. Pixel après pixel, nous orbitons autour d’images mortes, convaincus qu’elles nous éclairent.
La lune ne crée rien. Elle ne fait que renvoyer la lumière des autres. Un astre mort devenu influenceuse du vivant.
Toujours visible, jamais entière : la moitié de son visage nous échappe. Cette face cachée — muette, opaque — rappelle tout ce qu’on ne veut pas voir dans nos propres reflets numériques.
Comme elle, nos écrans brillent sans source, éclairent sans comprendre, attirent sans nourrir. Pixel après pixel, nous orbitons autour d’images mortes, convaincus qu’elles nous éclairent.
The moon creates nothing. It only reflects the light of others — a dead star turned influencer of the living.
Always visible, never whole: half of its face forever hidden. That dark side — silent, opaque — echoes everything we refuse to see in our own digital reflections.
Like the moon, our screens shine without source, illuminate without understanding, attract without feeding. Pixel by pixel, we orbit around dead images, convinced they bring us light.
Un hybride troublant : la chair devient interface, le smartphone se fond dans la peau humaine, et des organes sensoriels apparaissent, déformés, répartis sur sa surface. Une oreille, deux yeux, une bouche — déplacés, figés, à l’écoute. L’objet n’est plus un outil, c’est une entité. Ou peut-être sommes-nous devenus son extension.
L’œuvre interroge la nature des dispositifs numériques comme prothèses de la perception et de l’identité. Le téléphone ne fait plus que connecter : il voit, écoute, parle, mémorise. En retour, nous lui donnons notre attention, notre voix, notre visage, nos gestes.
Ce n’est pas un téléphone. C’est le reflet d’un sujet connecté, ayant externalisé ses sens et intériorisé la machine.
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A disconcerting hybrid: flesh becomes interface, the smartphone merges with human skin, and sensory organs emerge distorted across its surface. An ear, two eyes, a mouth—displaced, unblinking, listening. This object is no longer a tool but a being. Or perhaps we have become its extension.
The piece questions the nature of modern devices as prostheses of perception and identity. It embodies how smartphones do not only connect us—they hear, watch, speak, and even remember for us. In return, we feed them attention, touch, voice, and face.
This is not a phone. This is the mirror of a connected subject who has externalized their senses and internalized the machine.
Cette composition se déploie comme une constellation fragmentée de taches rouges, évoquant à la fois des éclaboussures de sang, des micro-engrenages défectueux et des larmes isolées. Le fond d’un blanc éclatant amplifie la violence silencieuse de chaque trace, telle une surface clinique troublée par un traumatisme invisible. L’œuvre oscille entre l’organique et le mécanique, entre la blessure intime et le dérèglement collectif. Chaque point semble à la fois accidentel et programmé, renvoyant à un système où émotion, données et altération se fondent sans distinction. D’une esthétique minimale mais d’une densité conceptuelle marquée, la pièce interroge les seuils du contrôle et de l’effondrement dans un monde gouverné par un code invisible.
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This composition unfolds as a fragmented constellation of red stains, evoking at once blood splatters, malfunctioning micro-gears, and isolated teardrops. The stark white background amplifies the silent violence of each mark, like a clinical surface disrupted by unseen trauma. The work oscillates between the organic and the mechanical, the intimate wound and collective disturbance. Each dot feels both accidental and programmed, pointing to a system where emotion, data, and damage are indistinguishably merged. Aesthetically minimal, conceptually dense, the piece questions the thresholds of control and collapse in a world governed by invisible code.
Deux formes globulaires flottent dans un espace blanc — floues, cellulaires, comme observées au microscope. À première vue, elles semblent identiques. Mais en y regardant de plus près : l’une porte la trace à peine visible d’un visage souriant, l’autre est disloquée, spectrale, marquée de traits verticaux — un code-barres de chagrin.
Twins évoque la méiose, ce processus biologique de division cellulaire — mais ici, ce ne sont pas les chromosomes qui se divisent. C’est l’identité numérique. Deux “entités” émergent : l’une, agréable, commercialisable, exploitable — un smiley. L’autre, cryptée, émotionnelle, brisée — illisible, invendable. La métaphore du jumeau numérique est pervertie : nous sommes clonés, oui, mais de manière asymétrique — un soi pour les plateformes, l’autre pour l’oubli.
Le jumeau de gauche simule la joie. Celui de droite en paie le prix.
Tous deux hantent le système qui les a produits. Et ensemble, ils murmurent : nous ne sommes pas entiers.
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Two globular forms hover in white space—fuzzy, cellular, as if viewed under a microscope. At first glance, they appear identical. But look closer: one wears the faint trace of a smiley face, the other is disfigured, ghostlike, marked by vertical strokes—a barcode of sorrow.
Twins evokes meiosis, the biological process of cellular division—but in this case, it’s not chromosomes that split. It’s digital identity. Two “entities” emerge: one palatable, marketable, usable—a smiley. The other, encrypted, emotional, broken—unreadable, unsellable. The digital twin metaphor is corrupted: we are cloned, yes, but asymmetrically—one self for platforms, the other for oblivion.
The left twin performs joy. The right one bears the cost.
Both haunt the system that created them. Together, they whisper: we are not whole.
Dots x Evolution x Fall x Apple x Black Hole Ink on paper 30 x 20 cm
Six taches d’encre noire s’alignent comme une ponctuation, mais il ne s’agit pas d’une phrase — c’est une chute. De la poussière à peine visible jusqu’à la saturation la plus dense, la composition imite un cycle de vie, un effondrement moral, ou une sédimentation idéologique.
L’œuvre résonne autant comme une progression darwinienne que comme une Chute théologique — une sorte de “pomme” métaphorique tombée non pas d’un arbre, mais de la grâce, de la clarté, d’un Eden numérique. En chemin, des visages émergent fugitivement — un fantôme, un masque, un miroir — comme si l’identité vacillait, puis s’éteignait dans l’obscurcissement de la tache.
Le titre, To Be Continued…, suggère qu’il ne s’agit pas d’une fin. C’est une boucle, une habitude, un système. Chaque point pourrait être :
une âme humaine
une géolocalisation abandonnée
un pixel de suivi
une tache d’encre d’un test psychologique
un futur encore sans nom
C’est de la ponctuation à l’ère de l’effondrement. Et cela s’achève, comme toujours, par un point final.
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Six black ink blots fall in line like punctuation, but this is no sentence—it’s a descent. From barely-there dust to dense, full saturation, the composition mimics a life cycle, a moral collapse, or an ideological sedimentation.
The work echoes both Darwinian progression and the theological Fall—a metaphoric « apple » dropped not from a tree, but from grace, from clarity, from digital Eden. Along the way, faces briefly emerge—a ghost, a mask, a mirror—as if identity flickers and then vanishes in the deepening blot.
The title, To Be Continued…, implies that this isn’t an ending. It’s a loop, a habit, a system. Each dot might be:
a human soul
a dropped pin
a tracking pixel
an inkblot from a psychological test
a future yet to be named
This is punctuation in the age of collapse. And it ends, as always, with a full stop.
Dans un cadre sombre, presque étouffant, des éclats blancs et des pulsations violettes dérivent de façon erratique — de minuscules lumières sans direction, rebondissant en boucle dans une agitation brownienne. Mais ce ne sont pas des particules de poussière : ce sont des métaphores de notifications mobiles, surgissant sans fin, se heurtant, interrompant.
Ce chaos lumineux gravite autour d’un vide croissant — une bouche, une plaie, un seuil — d’où semble résonner en silence un seul mot : « Va-t’en. »
Go Away explore les micro-intrusions permanentes du monde connecté : des notifications comme parasites numériques, conçues pour fracturer l’attention et ancrer la dépendance. Leur mouvement est imprévisible, mais constant — comme des pensées non sollicitées, ou comme quelqu’un qui frapperait à l’intérieur du crâne.
L’œuvre ne se clôt pas. L’intrus est déjà là. Et le cerveau ne sait plus ce qu’il a laissé entrer, ni ce qu’il voulait repousser.
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In a dim, almost claustrophobic frame, white flickers and purple pulses drift erratically across the screen—tiny, directionless lights bouncing in a loop of Brownian agitation. But these aren’t dust particles: they’re metaphors for mobile notifications, endlessly appearing, colliding, interrupting.
The luminous chaos centers around a growing void—a mouth, a wound, a threshold—from which one word seems to echo silently: “Go Away.”
Go Away explores the constant micro-intrusions of the connected world: notifications as digital parasites, designed to fracture attention and anchor dependency. Their motion is unpredictable, yet permanent—like thoughts we didn’t invite, or like someone knocking on your skull from the inside.
The piece ends unresolved. The intruder is already inside. And the brain no longer knows what it asked to stay, or leave.
Random walking zombies x No water x No sun x No nature x Distorted Shadows
Ink on paper 30 x 40 cm
Une foule avance — sans direction, silencieuse, identique dans sa fragilité. Seules des lignes décrivent leur présence, mais ce sont les ombres qui révèlent la vérité : lourdes, opaques, inéluctables. Le soleil est absent, pourtant les ombres tombent — une lumière fausse, peut-être artificielle, peut-être métaphorique.
Ces figures sont des êtres post-naturels, privés d’eau, de racines, de véritable soleil. Dénuées de tout décor organique, elles errent sur une plaine abstraite, comme des bots dans un vide de données, ou des utilisateurs perdus dans le scroll infini. Leur destination ? Aucune. Leur raison d’être ? Oubliée.
Le titre Sunny Day est ironique. Il n’y a ni ciel, ni chaleur, seulement l’illusion de lumière. Ce sont les morts-vivants de la modernité numérique — zombies de la répétition, de la consommation passive, du déterminisme algorithmique.
Les ombres déformées sont la dernière trace de l’humain — reflets grotesques, exagérés, de quelque chose que nous ne sommes plus.
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A crowd advances—directionless, silent, identical in fragility. Only lines describe their presence, but shadows tell the truth: heavy, opaque, and inescapable. The sun is nowhere, yet shadows fall—false light, maybe artificial, maybe metaphorical.
These figures are post-natural beings, devoid of water, roots, or real sun. Stripped of any organic backdrop, they roam an abstract plain, like bots in a data void or users lost in infinite scroll. Their destination? Nowhere. Their purpose? Forgotten.
The title « Sunny Day » is ironic. There is no sky, no warmth, only the illusion of light. They are the walking dead of digital modernity—zombies of repetition, of passive consumption, of algorithmic determinism.
The distorted shadows are the last trace of humanity—exaggerated, grotesque reflections of something we no longer are.
À gauche, l’intemporel Homme de Vitruve de Léonard de Vinci — symbole d’harmonie, de symétrie, de proportion, d’intelligence et d’équilibre. À droite, son descendant dégénéré : Homo Cubile. Un corps non plus ouvert au monde, mais replié sur lui-même, enfermé dans des écrans, des calories et de l’automatisation.
Dans ce diagramme satirique, le nouvel « homme parfait » pour l’e-commerce se résume à quelques fonctions :
Réduction du cerveau : effort cognitif minimal — l’IA et l’UX pensent à sa place.
Doigts agiles : assez vifs pour taper, scroller, cliquer, acheter.
Gros ventre : confort sédentaire optimisé pour consommer, non pour créer.
Jambes inexistantes : il peut rester sur son canapé
Homo Cubile est à la fois critique et prophétie. Le corps idéal de l’économie numérique n’est plus sculpté ni transcendant — il est soumis, modulaire, rentable. Un humain compatible machine, façonné non par la nature ou l’esprit, mais par la logique marchande et l’ergonomie des écrans.
Une anatomie de la décadence, enfermée dans un carré parfaitement dessiné.
L’apogée de l’économie de la paresse
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On the left, da Vinci’s timeless Vitruvian Man—a symbol of harmony, symmetry, proportion, and balance. On the right, his degenerated descendant: Homo Cubile. A body no longer open to the world but closed in on itself, boxed by screens, calories, and automation.
In this satirical diagram, the new “perfect man” for e-commerce is reduced to functions:
Shrink Brain: minimal cognitive effort required—AI and UX think for him.
Nimble Fingers: agile enough to tap, scroll, click, and buy.
Big Belly: sedentary comfort optimized for consumption, not creation.
Homo Cubile is both critique and prophecy. The ideal body of the digital economy is no longer sculpted or transcendent—it is submissive, modular, and profitable. A machine-friendly human, shaped not by nature or spirit, but by market logic and screen ergonomics.
Anatomy of decline, wrapped in a perfectly shaped square.
Suspendus dans le silence, ces masques en fil de fer évoquent des visages humains déformés — réceptacles vides, sans oreilles, sans bouche, sans yeux, originalement généré par une IA. Ils flottent tels des fantômes numériques, hantant l’espace par une absence troublante d’identité et de perception. Chaque forme rappelle le bruit génératif de l’intelligence artificielle tentant de simuler l’humain sans jamais en saisir l’essence.
Ces « visages » ne sont ni vrais ni faux, mais des composites dérangeants, nés d’ensembles d’entraînement et d’abstraction. Leurs sens manquants témoignent d’un monde où la donnée remplace l’expérience, où l’expression devient un écho sans origine. Ou le digital remplace l’humain.
Le spectateur se retrouve face à un miroir… qui ne reflète plus rien.
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Suspended in silence, these wireframe masks evoke distorted human faces—empty vessels devoid of ears, mouths, or eyes. They float like digital phantoms, haunting the space with an eerie absence of identity and perception. Each form recalls the generative noise of artificial intelligence attempting to simulate the human without ever grasping its essence. These “faces” are neither real nor false, but unsettling composites born from training sets and abstraction. Their missing senses speak to a world where data replaces experience, and expression becomes an echo without origin. The viewer confronts a mirror that does not reflect.
The clock s’inscrit dans une logique de capture du quotidien par l’écran, une mécanique silencieuse où chaque moment de la journée se trouve absorbé, cadré, puis redistribué par le mobile. Le matin commence dans la lumière froide du téléphone, premier geste, premier regard, avant même le réel. L’individu s’y projette immédiatement, planifie, consulte, répond, s’inscrit déjà dans un flux qui ne lui appartient plus entièrement. À midi, le geste se prolonge, commander, choisir, valider, tout passe par l’interface, réduisant l’expérience à une succession d’actions optimisées. Dans les transports, le corps est présent mais l’attention ailleurs, captée, fragmentée, aspirée par l’écran. Le regard se baisse, les postures se ferment, les gestes deviennent répétitifs, presque automatiques. La journée s’écoule ainsi, découpée, rythmée, administrée par des signaux invisibles, notifications, rappels, sollicitations permanentes. Le temps ne se vit plus, il se consulte. Chaque instant est indexé, anticipé, parfois même remplacé par son équivalent numérique. Il reste peu de place pour l’imprévu, pour l’errance, pour ce qui échappe au cadre. The clock matérialise cette tension, une vie chronométrée, contenue dans une structure rigide où chaque segment semble assigné à une fonction. L’espace vide devient alors aussi important que les lignes, révélant ce qui disparaît, le hors-champ, le non-mesurable. Ce qui n’est pas prévu n’existe presque plus, ou seulement à travers l’écran qui le valide. L’individu se retrouve ainsi dans une boucle continue, entre contrôle et dépendance, où le temps n’est plus un flux mais une grille.
A minimalist circle, dissected and cadenced like a clock, where each hour is no longer a number but a movement of the body. The figure, barely outlined, fragments into angular postures that repeat a modern ritual: waking, commuting, working, scrolling. The smartphone, omnipresent, becomes the silent axis around which the day turns. The drawing does not show the passage of time—it embodies its mechanical absurdity. The precision of the lines contrasts with the alienation they depict: an existence reduced to routine, tracked and controlled by invisible metrics. The gesture is both universal and intimate—a choreography of constraint.
A stripped-down visual loop. The life cycle of a modern connected human — sketched in its most essential mechanics. Four minimal postures, rigid and cold, that could belong to anyone: standing, sitting, commuting, lying. The presence of a device — phone or laptop — never fades, clinging like an extension of the hand or spine.
Here, the machine does not dominate by force but by repetition. The movements are automated, the transitions seamless. There is no beginning, no climax, no relief.
The final posture is the most disturbing: the body reclines horizontally, still tethered to the screen. Is it sleep? Or something terminal? The ambiguity hangs in the silence. It is the moment when function, fatigue and disappearance become indistinguishable.
Scrolling addicted hands x binary sentence x Monster face
Two hands, symmetrically mirrored, rise and fall in an endless scroll—at once mechanical, monstrous, and intimate. This looping gesture, captured from the artist’s own body, is overlaid with a curtain of binary code: an unreadable confession, a punishment encrypted. Beneath the digits, a form emerges—a face, or perhaps a beast born from habit and repetition.
In Gluetton, the fingers become organs of addiction, wired for frictionless compulsion. Recent medical studies are evoked: scrolling injuries, early-onset joint degeneration, a digital-age arthritis born not from labor, but from endless consumption.
This is the portrait of a new user-species—part mammal, part machine, part captive. The name Gluetton fuses gluttony and glue: a creature stuck in its own hunger. It feeds on feeds. And it cannot stop
La skyline de Manhattan — tranchante, dense, iconique — se révèle être tout autre chose : une forteresse de serveurs de données, verticalement froide, uniformément chiffrée. Sous chaque tour, des larmes numériques tombent, calquées sur l’onde sonore d’un enregistrement réel : la voix de Z affirmant, comme un mantra, que tout ce qu’il fait est « pour le bien du monde ».
Au centre, à peine visible mais reconnaissable entre toutes, la Statue de la Liberté est teintée de rose vif — non plus symbole d’émancipation, mais leurre au cœur du contrôle. L’œuvre détourne la grandeur architecturale de New York en un diagramme carcéral, où chaque gratte-ciel devient cellule, cage de données, entrepôt monétisé de fragments de vie.
Hutches n’est pas une vue urbaine, c’est une machine à confessions, une cartographie de l’effondrement de la liberté en idéologie. Les larmes ne tombent pas seulement des bâtiments. Elles tombent de la croyance elle-même.
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NYC x Z. auto persuasion audio recording x Data servers x Statue of liberty
The skyline of Manhattan—sharp, dense, iconic—reveals itself as something else: a fortress of data servers, coldly vertical, uniformly encrypted. Beneath each tower, digital tears fall, echoing the waveform of a real audio clip: Z’s recorded justification that everything he does is “for the good of the world.”
At the center, barely visible yet unmistakable, stands the Statue of Liberty, colored in bright pink—no longer a symbol of freedom, but a decoy amid control. The piece transforms New York’s architectural grandeur into a carceral diagram, where each skyscraper becomes a hutche, a cage of data, a monetized storage of lives.
Hutches is not just a cityscape—it is a confession machine, mapping the collapse of liberty into ideology. The tears don’t just fall from the buildings. They fall from belief itself.
Un corps néoclassique, idéalisé et lisse, repose sur un trône synthétique : le canapé. La virilité de la Grèce antique rencontre le confort de l’économie des plateformes. Ce n’est pas un héros au repos, c’est un monument à la passivité, façonné par l’hyper-efficacité et la sur-assistance. Tout est blanc. Tout est silencieux. La statue ne parle pas, ne bouge pas, n’a besoin de rien. L’homme « ubérisé par la paresse » n’est plus un penseur ni un guerrier, seulement un utilisateur, optimisé, immobile, esthétiquement stérile. La tension naît de cette contradiction : des muscles divins, sculptés pour l’action, pétrifiés par le confort. C’est le client parfait de l’économie de la paresse. Celui qui scrolle au lieu de chercher, qui commande au lieu de se déplacer, qui clique au lieu d’agir. Les géants du numérique n’ont aucun intérêt à l’éveiller. Son inertie est leur modèle économique. Tant qu’il reste assis, il produit : des données, de l’engagement, de l’argent. Un corps immobilisé, un esprit soumis, mais extrêmement rentable.
—– A neoclassical body, idealised and smooth, reclines on a synthetic throne: the couch. The virility of ancient Greece meets the comfort of the gig economy. This is not a hero resting—it’s a monument to passivity, shaped by hyper-efficiency and over-servicing. Everything is white. Everything is silent. The statue doesn’t speak, doesn’t move, doesn’t need to. The ‘Uberlazied’ man is no longer a thinker or a warrior, just a user—optimised, idle, aesthetically sterile. The tension lies in this contradiction: divine muscles, sculpted for action, petrified by convenience.
This is the perfect client of the laziness economy. The one who scrolls instead of searching, who orders instead of moving, who clicks instead of acting. The digital giants have no interest in awakening him. His inertia is their business model. As long as he stays seated, he produces: data, engagement, money. A body immobilised, a mind subdued—yet hyperprofitable.
